Semblanza del Artista
Orígenes y primeros impulsos creativos
René Garruña es un artista visual nacido en Xalapa, Veracruz, en 1969. Su trayectoria artística se ha construido a partir de la experiencia, la observación y una relación constante con distintos lenguajes creativos. Su formación profesional transitó por la contaduría pública, la educación y la comunicación, mientras que su formación artística se desarrolló principalmente de manera autodidacta.
Desde niño mostró un vínculo intuitivo con la creación: transformaba objetos cotidianos en instrumentos y juguetes, copiaba a mano letras de canciones, dibujaba personajes y desarmaba objetos para comprender su funcionamiento. A los siete años fabricaba trompos y baleros con un torno en una carpintería cercana a su casa; también construía papalotes que después vendía entre sus vecinos y modelaba en plastilina pequeños objetos y escenarios.
Aquellas experiencias tempranas establecieron una relación con la materia, la construcción y la imaginación que, aunque durante algunos periodos permaneció latente, reaparecería posteriormente en distintas formas de su práctica artística.
La música y otros lenguajes
Durante cerca de dos décadas, la música ocupó un lugar central en su vida. La práctica musical constituyó una de sus primeras experiencias sostenidas con la creación y dejó una influencia que continúa presente en su manera de comprender el ritmo, la tensión, el silencio y la expresión.
Al apartarse de la actividad musical, orientó una parte importante de su vida profesional hacia el ámbito educativo universitario. Paralelamente, continuó explorando diferentes disciplinas y materiales, entre ellos la metalistería, la cerámica, el dibujo, la pintura, el diseño sonoro y el cine documental.
Estas experiencias no constituyeron un recorrido lineal ni respondieron a la búsqueda de una disciplina única. Fueron aproximaciones sucesivas a distintas posibilidades de creación que ampliaron su relación con la imagen, la materia, el volumen y el sonido.
Hacia la práctica visual
Con el tiempo, la pintura adquirió un lugar cada vez más importante dentro de ese recorrido y se convirtió en el territorio desde el cual comenzó a articular muchas de sus experiencias anteriores. Su práctica se desarrolla actualmente entre la pintura figurativa y la incorporación de objetos, relieves y materiales tridimensionales, explorando las posibilidades que surgen cuando imagen y materia comparten un mismo espacio.
Su trabajo reciente parte de la observación de la experiencia humana y de situaciones que despiertan preguntas, inquietudes o contradicciones. La música, los objetos cotidianos, la memoria y distintos elementos de la cultura contemporánea aparecen recurrentemente como recursos visuales y simbólicos.
De manera paralela a su producción artística, desarrolló Arteograma, una investigación surgida inicialmente como manifiesto y posteriormente ampliada hasta convertirse en un ensayo sobre el fenómeno artístico. Este proceso de investigación ha incorporado a su práctica una estructura de reflexión sobre la relación entre el artista, la obra y el espectador, así como sobre los distintos elementos que intervienen en la construcción de sentido.
Actualmente continúa desarrollando su producción pictórica y objetual desde Xalapa, Veracruz, al tiempo que mantiene abiertas otras formas de exploración que han acompañado su trayectoria.
No busco curarme del mundo,
busco seguir sintiendo en él,
porque resistir no es endurecerse,
es seguir siendo sensible.
Declaración del Artista
Creo desde el desbordamiento. Desde aquello que inquieta, conmueve, incomoda o insiste hasta encontrar una forma de hacerse visible. El arte, para mí, no es evasión, sino una manera de mirar con atención aquello que nos atraviesa y de transformar esa experiencia en imagen, materia y significado.
La pintura es mi punto de partida, aunque no siempre mi límite. Me interesa la imagen por lo que muestra, pero también por aquello que puede sugerir, ocultar o poner en tensión. En ocasiones permanece en el plano; en otras, necesita incorporar objetos, volumen o materiales que extiendan su presencia física. No parto de una fórmula ni de una estética fija: cada obra reclama sus propios recursos.
Mi proceso suele comenzar con una pregunta, una contradicción, una experiencia o una imagen que permanece dando vueltas. A partir de ahí aparecen asociaciones, símbolos y metáforas que se transforman durante la construcción de la pieza. Algunas obras se sostienen principalmente en la contemplación; otras plantean una narrativa o buscan provocar una reflexión. No considero que una posibilidad excluya a la otra.
Me interesa especialmente ese momento en que la obra deja de pertenecer únicamente a quien la creó y comienza a construirse también en la mirada del espectador. No busco imponer una interpretación cerrada. Prefiero dejar indicios, tensiones y espacios desde los cuales cada persona pueda establecer su propia relación con lo que observa.
Mi práctica también está atravesada por la investigación. El Manifiesto Arteograma surgió inicialmente como una toma de postura frente a determinadas preguntas sobre la creación, la experiencia y la valoración del arte. Con el tiempo, aquellas preguntas crecieron hasta convertirse en una investigación más amplia y finalmente en el libro Arteograma. Ese proceso ha incorporado a mi trabajo una estructura de reflexión que me permite interrogar mis propias decisiones y pensar la obra no sólo desde su construcción, sino también desde la experiencia que puede activar.
No busco que todas mis obras respondan de la misma manera ni conduzcan al mismo lugar. Me interesa conservar la posibilidad de cambiar, explorar y contradecirme. Crear, para mí, implica permanecer sensible a aquello que todavía puede sorprenderme y suficientemente incómodo como para seguir haciéndome preguntas.